Joaquín Cosío opina sobre el cine mexicano

Más allá de ser un actor, Joaquín Cosío dijo que hace las cosas por placer, por el gusto que le producen, así que además de la actuación, Cosío también es amante de la literatura, fruto de esa relación es su libro de poemas Bala por mí, el cordero que me olvida.
 

La noche del sábado, en El Refugio, el actor del cine mexicano, que ha participado en películas como El infierno y Matando Cabos, platicó con un nutrido público de jóvenes y adultos en un bar del centro de Xalapa sobre la literatura y sus gustos, como una plática entre viejos amigos, en donde la gente pudo conocerlo un poco mejor y mirar otra de sus facetas como artista.

Después de la presentación de su poemario, entre un río de voces y el sonido de las botellas de cerveza, Joaquín Cosío ofreció una entrevista en la que dio sus opiniones sobre el cine mexicano y la voluntad del artista.

¿Cuáles son los principales problemas a los que se enfrenta el cine nacional?

“Estamos ante un industria muy complicada y costosa, hacer cine en México es muy complicado porque tenemos una competencia bastante desleal en el sentido de la producción norteamericana y tenemos problemas de distribución gravísimos, sin embargo, el cine mexicano está respirando, se está moviendo, hay nuevas generaciones que están entrando y fortaleciendo mucho el cine nacional. Hay una nueva generación de actores, directores, guionistas y parece que el momento es importante y me siento contento se estar formando parte del cine nacional. Sin embargo es bastante lo que tiene que hacerse, hay que reglamentar y hay que estar apoyándolo en todos los sentidos”.

¿Qué opinas de que el cine mexicano esté llegando a festivales internacionales?, por ejemplo, el trabajo de Reygadas e Inárritu.

“El cine mexicano está ganando posiciones, se está produciendo mucho, no siempre lo mejor, pero entre más se produzca hay más posibilidades de que haya mejor cine. Y como siempre, las grandes propuestas, desde mi punto de vista, siempre vienen de la voluntad de quienes quieren hacerlo, el artista nacional es muy firme y tiene que enfrentarse a una gran cantidad de problemas. Siempre es el esfuerzo individual el que da la muestra de lo que se puede hacer. Las subvenciones siempre son veleidosas, no siempre son lo esperado, además hay una política cultural bastante fallida e inconstante, pero la voluntad del artista nacional siempre se impone y es esa la que siempre aporta y descubre”.

La gente alrededor de Joaquín Cosío lo felicita, le toma fotos, le piden autógrafos, él se muestra amable y alegre entre gente que ha disfrutado de su trabajo, es un hombre muy grande, de manos demoledoras y rostro redondo e intimidante, pero ahí, entre la muchedumbre del bar, se inclina sobre la pequeña grabadora y parece más cercano, hablando de una industria que le apasiona.

En cuanto a los festivales, además del de Morelia y Guadalajara, ¿que opinas de otros que se llevan a cabo en el país?

“Curiosamente ha habido una especie de moda de festivales. Siempre es algo bueno y es bastante necesario que el cine nacional se exponga o que haya foros a los que la gente puede ir. Claro que los de Morelia y de Guadalajara son importantísimos, pero ha habido otros como en Zacatecas, Durango, Chihuahua. Ojalá proliferen, siempre serán bienvenidos y necesarios.

En cuanto a tus proyectos, ¿qué puedes decirnos?

“Estamos cerrando el año, ya el próximo veremos, pero por el momento hay varias películas en las que estoy participando La vida precoz y breve de Sabina Rivas, de Mandoki, Las paredes hablan y Santos vs. la Tetona Mendoza”.

¿Dinos qué es eso que te ofrece la actuación?

“Actúo porque me divierto y cualquier papel siempre es divertido e interesante, cualquier proyecto es algo que me mantiene bastante contento”.

¿Qué nos puedes decir de Xalapa?

“He venido de vacaciones, tengo amigos, es una cuidad muy hermosa, se come muy bien, se toma un café espléndido. Tengo amigos querido aquí, escritores, actores y Xalapa tiene una tradición cultural enorme, aquí se han forjado actores notables como Damián Alcázar y Dagoberto Gama y desde luego, hay una tradición literaria importante”.

Ahora que se está difundiendo las licenciaturas y maestrías de cine con reconocimiento, ¿qué opinas que esto esté pasando en México?

“Me parece formidable, evidentemente es fundamental hacer escuelas de cine al igual que con cualquier disciplina, sobre todo ahora que México requiere del arte para sanar la heridas que tiene, es un país que está sufriendo mucho y el arte vendrá a sanar un poco a ese dolor”.

En cuanto a presupuestos y el apoyo del gobierno, ¿qué opinas?, ¿cada día son menos?

“No soy optimista en lo que el estado hace, yo creo en la gente, en los nuevos artistas, en las comunidades, vigorosas como la de Xalapa que tiene tanto creador. Creo en las comunidades de artistas como las de Zacatecas y Chiapas, gente que hace y no se espera a las subvenciones. Yo no creo en las políticas del estado, la misma palabra, política para mí es complicada.

¿Qué le dices a los jóvenes que quieren hacer cine y viven en este México que esta cambiando?

“Que sigan su pasión, la cual es un río turbulento que hay que dejar correr, que se diviertan y no ceden ante los impedimento que van a encontrar”.

La noche sigue, los amigos brindan y Cosío firma su libro de poemas, que hacen un homenaje a Ciudad Juárez, un lugar lastimado que día a día lucha por sobrevivir.

Joaquín Cosío presenta su libro de poemas en Xalapa

Más allá de un ser actor, Joaquín Cosío dijo que hace las cosas por placer, por el gusto que le producen, así que además de la actuación, Cosío también es amante de la literatura y fruto de esa relación es que presentó su libro de poemas Bala por mí, el cordero que me olvida.

En 8 de diciembre El Refugio, el actor del cine mexicano, que ha participado en películas como El infierno y Matando Cabos, platicó con un nutrido público de jóvenes y adultos un bar del centro de Xalapa sobre la literatura y sus gustos, como una plática entre viejos amigos, en donde la gente pudo conocerlo un poco mejor y mirar en otra de sus facetas como artista.

Este poemario, como mencionó el actor, es sobre Cuidad Juárez, lugar en el que creció un poco antes de la época actual, en que la violencia es uno de los primeros referentes de la ciudad. Le escribió este libro porque es la ciudad de la adolescencia, “un oasis de los tugurios y de la vida nocturna, es una ciudad a la que le debo una gran vitalidad. Que ha sido destruida y vejada desde el principio de su historia y  que es un cuidad extraña porque han ocurrido muchas cosas. Le debo todo, grandes hallazgos, como mi vida amorosa. Mi vida creadora como tal la conocí ahí. Ciudad Juárez ha sido dejada al extremo de la ignominia, burla y el estado político. Así que le hago este poemario que escribí durante 10 años”.

Cosío dijo que una gran motivación para escribir el poemario fue irse de la cuidad y que algo muy interesante es que de ser un lugar cotidiano y vívido, se trasformó en una cuidad lejana la escribir de ella, ya que de alguna manera, al irse a vivir al DF y escribir sobre ella desde lejos, le dio otra perspectiva. “Algunos poemas aún los escribí en aquel Juárez porque era inevitable sentirse afectado por la violencia que estaba llegando, por la cosas que pasan allá. Así que el libro tiene poemas para la cuidad y sobretodo para los acontecimientos de las ciudad y mi relación con ella. Con la distancia Juárez comenzó a ser una ciudad ficticia, a la que fui invistiendo e reinventando”, dijo Cosío.

Más allá de la literatura, le pregunta uno de los presentadores, qué otras materias humanísticas te han influenciado, a esto Joaquín Cosío dijo que las actividades que ha asumido es porque le brindan un placer absoluto, no estudió actuación y literatura formalmente, así que tal vez es poco lo que sabe, dijo, algo que lo hacen un “tipo bastante inculto”, pero le gusta la historia y la historia del arte, pero estos gustos, escribir y actuar, agregó, son preferencias cotidianas que no están sistematizadas en él, o que practique con una estructura más académica, así que las referencias que hay en su textos, son cosas que le gustan, cosas de su cuidad.

Le pasa que debido a que su trabajo de actuación es público, le gusta la literatura porque es algo más privado, íntimo y discreto que ha ejercido desde los 17 años, y no menos grato. Por otro lado, habló de las diferencias que le ofrece cada una de estar artes, por ejemplo, la actuación le permite explayarse, usar sus sentidos, su cuerpo, pero esto lo inhibe también, y leer poesía es leer algo que está inmerso en algunos recovecos de nuestro interior y exhibirlos y hacerlos público, dijo, al menos para él le causa un cierto pudor.

En cuanto a la forma de su poesía, explicó que tiene más interés en la sonoridad y que a pesar de ser una obra tan breve, se ha transformado bastante y siempre hay una musicalidad y a veces le interesa más una palabra por su sonido que por lo que quiere decir, “me gusta construir algo que pueda imaginar y que suene y que tenga brillantez”.

Durante la presentación, Cosío habló con gusto sobre lo que hace y contestó a las preguntas de los jóvenes y presentadores, de los que expresó que: “Es divertido que estos jóvenes de veintitantos años que me estén haciendo preguntas y yo esté nervioso”, pero no parecía, más bien se veía un poco emocionado por compartir algunos versos de su obra y conversar de lo que uno habla con sus amigos, la vida, la melancolía, la familia y el placer de hacer lo que a uno le gusta.

Hugo Münsterberg y su aporte a la Teoría Cinematográfica

"Aunque la Teoría Cinematográfica suele mezclar la crítica cinematográfica sobre obras específicas y la teoría cinematográfica, y aunque muchos teóricos desarrollan sus ideas a partir de películas individuales, los escritos teóricos se ocupan más de los conceptos generales que sirven de base a todas las películas que del logro que representan obras o figuras concretas. La teoría cinematográfica se ocupa de las siguientes áreas de investigación:


1) las diferencias entre el cine y el teatro, la literatura y las artes gráficas.
2) la naturaleza fundamental del medio: qué es exactamente el cine y qué ocurre en la pantalla.
3) las técnicas generales utilizadas en el cine (por ejemplo, montaje, montage, posición de la cámara, movimientos de cámara, iluminación).
4) la naturaleza de los diversos componentes de una película y su contribución a la entidad de una obra (por ejemplo, los personajes, el escenario, la acción, el color, el sonido).
5) el espacio y el tiempo fílmicos, y su relación con el espacio y tiempo reales.
6) los géneros cinematográficos.
7) el cine y la sociedad.
8) la naturaleza de diversos tipos de película y sus diferencias (por ejemplo, película de ficción, película documental y película experimental).
9) la respuesta estética y psicológica del público al medio.


Aunque se ha escrito teoría cinematográfica desde los primeros días del cine, este tipo de escritos tardaron cierto tiempo en alcanzar la calidad y hasta la abundancia de las indagaciones teóricas en torno a otras formas artísticas, quizá debido a la novedad del medio, su amalgamación de aspectos tomados de otras formas artísticas, su síntesis de tecnología y arte y su aceptación tradicional como forma de arte popular. La teoría cinematográfica también estaba limitada por las predilecciones de sus escritores, quienes frecuentemente traían consigo su formación en otras disciplinas, especialmente psicología y literatura. El primer texto importante de la teoría cinematográfica es The Photoplay: A Psychological study, de Hugo Münsterberg (1863-1916), publicado por primera vez en 1916. Münsterberg afirma que su obra se ocupa tanto de la psicología como de la estética, pero es en la primera categoría donde realiza algunas importantes observaciones acerca de la nueva forma artística que anticipan los conceptos de Rudolph Arnheim. Münsterberg sostiene que la película no es una «obra de teatro filmada»: la película (the photoplay), afirma, está «liberada de las formas físicas de espacio, tiempo y causalidad » y «adaptada al libre juego de nuestras experiencias mentales». Rudolph Arnheim, al igual que Münsterberg, nació en Alemania, se formó como psicólogo y, después, enseñó en Harvard. Arnheim escribió varios artículos y libros sobre el cine, pero quizá su obra más importante sea El cine como arte, que apareció en los EE.UU. en 1957 y cuya mayor parte se publicó por primera vez en Alemania en 1932. Al igual que Münsterberg, Arnheim sostiene que el cine debe considerarse un arte y no una nueva representación de la realidad".


Extraído de "Diccionario técnico Akal de cine" de Ira Konisberg, 2004


A continuación se encuentra el link en el cual pueden bajar el texto: "The Photoplay":


http://www.gutenberg.org/ebooks/15383

http://fliiby.com/file/236298/7cd9s51d1m.html

Su aporte no se reduce al cine, sino que también ofreció a la psicología a, Münsterberg fue un alemán-norteamericano fundador de la psicología aplicada o applied psychology, realizó investigaciones en el área médica, clínica, educacional y en la de los negocios. Durante la Primera Guerra Mundial se mantuvo en una posición delicada, entre apoyar a su país natal y al norteamericano, defendió en varias ocasiones las acciones de Alemania, por lo que atrajo reacciones en contra. Sin embargo sus estudios en psicología fueron muy valorados en su tiempo.

El libro Cine y Revolución

Cine y Revolución

Es un libro sobre los efectos de la revolución mexicana en el cine, con claros ejemplos gráficos. Este libro, coeditado por la Cineteca Nacional y el Instituto Mexicano de Cinematografía, es el registro impreso de la exposición Cine y Revolución, organizada por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes en el 2010, en el marco de las conmemoraciones del bicentenario de la Independencia y el centenario de la Revolución Mexicana.El presente volumen reúne imágenes emblemáticas del cine sobre la Revolución, muchas de ellas inéditas en una publicación impresa, así como ensayos redactados por especialistas en la materia. En esta obra “el imaginario heterogéneo que el cine ha concebido sobre la Revolución a lo largo de un siglo, se materializa y convierte en un elemento clave para la comprensión del México contemporáneo”

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Cuando el cine llegó a México

Esto es lo que los enviados de los Lumière filmaron en Chapultepec el año de 1896: a un Porfirio Díaz maravillado con la nueva invención francesa.

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México fue el primer país del continente americano que disfrutó del nuevo medio, ya que la entrada del cinematógrafo a los Estados Unidos había sido bloqueada por Thomas Alva Edison. A principios del mismo año, Thomas Armant y Francis Jenkins habían desarrollado en Washington el vitascope, un aparato similar al cinematógrafo. Edison había conseguido comprar los derechos del vitascope y pensaba lanzarlo al mercado bajo el nombre de Biograph. La llegada del invento de los Lumière significaba la entrada de Edison a una competencia que nunca antes había experimentado.Brasil, Argentina, Chile, Cuba, Colombia y las Guayanas fueron también visitados por enviados de los Lumière entre 1896 y 1897. Sin embargo, México fue el único país del continente americano donde los franceses realizaron una serie de películas que pueden considerarse iniciadoras de la historia de una cinematografía.El mismo año llegó también el vitascope norteamericano a México; sin embargo, el impacto inicial del cinematógrafo había dejado sin oportunidad a Edison de conquistar al público mexicano.El mismo año que Bernard y Veyre llegaron a México, filmaron El presidente de la república paseando a caballo en el bosque de Chapultepec y otros 35 cortometrajes en la capital, Guadalajara y Veracruz. Uno de los filmes de los realizadores franceses, titulado Un duelo a pistola en el bosque de Chapultepec, causó conmoción, ya que la gente no diferenciaba aún la realidad de la ficción. Este filme podría ser inspirado por el filme de Thomas Alva Edison titulado Pedro Esquirel y Dionecio Gonzales - Un duelo mexicano (Pedro Esquirel and Dionecio Gonzales - Mexican Duel), tres años antes. En 1897 se realizó la primera cinta silente de producción mexicana, llamada Riña de hombres en el Zócalo. Los primeros realizadores mexicanos fueron el ingeniero Salvador Toscano (desde 1898), Guillermo Becerril (desde 1899), los hermanos Stahl y los hermanos Alva (desde 1906) y Enrique Rosas, que en 1906 produjo el primer largometraje mexicano, titulado Fiestas presidenciales en Mérida, un documental sobre las visitas del presidente Díaz a Yucatán.

Este es Un duelo a pistola en el bosque de Chapultepec

Paolo Sorrentino & Sean Penn

Fabien Lemercier

La gente abarrotó la sala que acogió la rueda de prensa en el Festival de Cannes del italianoPaolo Sorrentino y la estrella estadounidense Sean Penn, director y actor protagonista, respectivamente, deThis Must Be the Place , presentada en competición. Resumen del encuentro.

Se rumorea que This Must Be the Place nació de vuestro encuentro en 2008 en Cannes

Sean Penn: Así es, nos encontramos durante la ceremonia de entrega de premios. Durante la sesion de fotografias realizada con el jurado y los galardonados, le dije a Paolo: cuando quiera, donde quiera, con su próximo guión. Un año después, se puso en contacto conmigo y me envió este guión maravilloso. Le dije que sí enseguida.

Paolo Sorrentino: En principio fue producto de la historia de un criminal nazi que despertó mi curiosidad. Luego quise crear el personaje de un hombre de 50 años, que es todavía como un niño aunque haya sido estrella del rock. La película reúne estas dos ideas.

Cheyenne, el rockero de This must be the place ¿es una caricatura, como el personaje principal de Il divo ?

Paolo Sorrentino: No creo que ambas películas tengan muchos puntos en común ; en todo caso no sobre el plano de la caricatura. Ambos son personajes atípicos pero muy reales. Cheyenne podría existir perfectamente y muchas estrellas del rock se le parecen. Lo que me interesa en el cine es la posibilidad de hablar de personajes que tienen algo excepcional.

¿Cómo construyó el personaje de Cheyenne?

Sean Penn: discutimos mucho Paolo y yo sobre la depresión y, en particular, sobre el impacto de esta en el físico. Paolo tenía ideas visuales muy claras sobre el personaje. Es un placer raro trabajar con un director como él porque tiene una visión. Para mí, es uno de los más grandes cineastas de nuestra época y va a continuar durante mucho tiempo creando de manera original. Es un director que sabe inspirar a un actor.

Para usted, ¿qué representa actualmente el rock ‘n’ roll?

Sean Penn: el rock es una especie de enfermedad de una sociedad que se basa en la cortesía. La historia de la película es la búsqueda de una salida a la depresión, cosa que el rock siempre ha alimentado.

¿Por qué, por primera vez, compartió la escritura del guión?

Paolo Sorrentino: conozco a Umberto Contarello desde hace mucho tiempo y esta película era la ocasión perfecta para trabajar juntos porque a ambos nos gustan los Estados Unidos y los viajes.

¿Cómo trabajaron la sublime fotografía de la película?

Paolo Sorrentino: En los Estados Unidos, país de cine por excelencia, fue sumamente fácil tratar la fotografía del espacio. Fue apasionante rodar en un mundo nuevo. El cine puede aburrir a veces. Para mí, realizar esta película fue como hacer una ópera prima.

Texto tomado de Cineuropa, lo mejor del cine europeo

http://cineuropa.org/2011/it.aspx?t=interview&l=es&did=203886

TRailer:

Entrevista con Sean Penn sobre la película This must be the place

Texto tomado de Cineuropa, lo mejor del cine europeo

http://cineuropa.org/2011/it.aspx?t=interview&l=es&did=203886

Steve Jobs, el revolucionario anónimo en el mundo del cine

En el portal de ABC guionistas Valentín Fernández-Tubau no ofrece un recuento de la vida y obra de Steve Jobs, sobre todo su importancia para el mundo del cine y la animación. Y dice así:

La reciente muerte de Steve Jobs ha acaparado torrentes instantáneos de tinta debido a la sucesión de impactos que sus visiones han aportado a la sociedad en todo el mundo. Nos dejó un genio que, contra viento y marea, hizo prevalecer muchas de sus ideas que retaron impúdicamente a la lógica y al status quo. Para sorpresa de los ortodoxos, un sinfín de ellas, subieron al carruaje del progreso gracias a su acogida por el gran público.

Hablar del gran visionario en su conjunto y de sus aportaciones al mundo de la informática, de la música, del ocio, de la cultura...sería generar un eco monótono y, a la vez, insuficiente. Pero sí es justo rendirle homenaje por su contribución más silenciosa o silenciada al mundo del cine, especialmente porque no tantos lo hacen.

Su primera incursión sucedió en 1985, cuando el Grupo Gráfico de la División Informática de Lucasfilm estaba en cuestión. George Lucas no estaba seguro de que las películas de animación por ordenador tuvieran algún futuro y estaba a punto de clausaurar esa división de su compañía. En 1986, Steve jobs, recien salido de Apple, compraba esa parte de Lucasfilm. Su nuevo nombre: Pixar.

Jobs, una vez más, invirtió en una idea en la que creyó y en la que casi nadie confiaba; el resultado: 26 Oscars, cantidades astronómicas de recaudación en taquilla, millones de fans en todo el mundo y el dominio del cine de animación a escala internacional.

En 2006, Disney compró Pixar por un valor supurior a los 7.000 millones de dólares, y, así, Steve Jobs se convirtió en el mayor accionista de Disney.

La influencia de Jobs en el cine de animación a través de posibilitar que Pixar sobreviviera es incuestionable. Pero su influencia en el mundo del cine no solo se circunscribe a ese hecho. ¿Acaso no es responsable de la revolución que ha supuesto la edición "en calzoncillos"? Pioneros como los hermanos Biering o Rian Johnson, usando Macs y Final Cut, fueron el preludio de miles de cineastas que se lanzaron a editar sus películas "profesionalmente" en su dormitorio, sin la necesidad de un equipo Avid.

Las revoluciones de Jobs en el cine, llegaron también al mundo del consumidor. El iPhone y el iPad, sus últimos legados, han impulsado una nueva forma de consumo de audiovisuales.

Pero quizá sea conveniente señalar, también, que ha dejado las vías abiertas para que el mundo del cine tome nota, se deje de mensajes apocalípticos y adopte caminos más pragmáticos y afines al público para recuperarse de la piratería. Esto no vendrá con restricciones que suscitan reacciones en masa, sino con soluciones como las que dejó intuir el modelo iTunes: calidad superior a bajo precio, de forma que el consumidor prefiera elegir libremente la calidad añadida, a cambio de un pequeño, realmente pequeño, coste.

A los que en el mundo del guion nos sentimos atraídos por la "unidad de opuestos", nos complace saber de las palabras que su eterno rival Bill Gates tuvo para él en su blog: "El mundo rara vez ve a alguien con el profundo impacto que ha tenido Steve, cuyos efectos se dejarán sentir durante muchas generaciones venideras".

Curiosamente, fue el mundo del cine quien registró la historia de la rivalidad de estos dos colosos a través de la película "Los Piratas de Silicon Valley" (1999) cuyos detalles pueden leerse en:

http://www.imdb.com/title/tt0168122/ La película se puede ver, fragmentada y doblada, en YouTube.

Los que prefieran escuchar al propio Steve Jobs en persona, en el discurso que pronunció en la Universidad de Stanford en 2005, subtitulado al español, pueden hacerlo en:

http://www.mercadoguion.com/Steve-Jobs-y-el-cine

Entre las muchas perlas que regala el discurso, vale la pena resaltar sus palabras sobre la muerte:

"Ni siquiera la gente que quiere ir al cielo quiere morir para llegar allí. Y sin embargo la muerte es el destino que todos compartimos. Nadie ha escapado de ella. Y así tiene que ser, porque la Muerte es posiblemente el mejor invento de la Vida. Es el agente de cambio de la Vida. Retira lo viejo para hacer sitio a lo nuevo.

Ahora mismo lo nuevo sois vosotros, pero dentro de no demasiado tiempo, de forma gradual, os iréis convirtiendo en lo viejo, y seréis apartados. Siento ser tan dramático, pero es bastante cierto. Vuestro tiempo es limitado, así que no lo gastéis viviendo la vida de otro.

No os dejéis atrapar por el dogma que es vivir según los resultados del pensamiento de otros.

No dejéis que el ruido de las opiniones de los demás ahogue vuestra propia voz interior.

Y lo más importante, tened el coraje de seguir a vuestro corazón y vuestra intuición. De algún modo ellos ya saben lo que tú realmente quieres ser."

Ojalá que sus palabras sirvan de inspiración a los creadores del presente y del futuro.

06/10/2011 20:51:42

http://www.abcguionistas.com/noticias/articulos/steve-jobs-el-revolucionario-anonimo-en-el-mundo-del-cine.html

La muchas caras de Ricardo Piglia

Entrevista por Mariana Carbajal

En el marco del Hay Festival, al terminar la plática Elogio a la brevedad, Ricardo Piglia hace un espacio en su ocupada agenda para darse el tiempo de contestar algunas preguntas enfocadas en área de su trabajo poco difundida. Piglia es uno de los escritores latinoamericanos más reconocidos. 

Ganador de los premios: Casa de las Américas, Planeta, el Iberoamericano de Letras José Donoso, el de la Crítica y el Rómulo Gallegos, conserva una actitud humilde, dispuesto a hablar de las diferentes facetas de su trabajo como escritor, guionista y lector.

–Usted ha trabajado en la escritura de varios guiones. Mi pregunta es con respecto a la película Foolish Heart, dirigida por Héctor Babenko. ¿Cómo fue este proceso?

–Un trabajo muy interesante, nos reuníamos en la semana, en algún lugar que no fuera donde vivíamos. Conversábamos la historia, la discutíamos, hacíamos notas, yo escribía y se le mandaba a Babenko, luego volvíamos a hacer lo mismo. Me gustaba ese sistema de aislarse un poco e ir armando la historia. Colaborar juntos en ese punto, pero no tanto en la escritura.

– ¿Cómo fue conocer a Héctor Babenko y participar en ese proyecto? 

–Fue una experiencia lindísima para mí, nos hicimos muy amigos. Es un director que tiene mucha experiencia y que ha trabajado en Hollywood. En cuanto a la película, la primera parte me gusta mucho, está muy bien. En la segunda parte hay problemas, pero yo estoy muy contento con la experiencia.

– ¿Babenko cambió mucho el guión que usted escribió

–No es que cambiara, me parece que en el final él interpretó de una manera lo que era la segunda parte de la historia.

– ¿Qué opina de la adaptación de su novela Plata Quemada? ¿Le gustó?

–Sí. La viví como una experiencia hecha con mucha seriedad, por Piñeyro y Marcelo Figueras, que hicieron un trabajo muy serio. Cuando se trata de la adaptación de libros míos, prefiero no intervenir. Me alejo un poco. Para adaptar, ellos no tomaron toda la novela, la interpretaron, y yo estoy de acuerdo con la lectura que hicieron de ella. Buscaron un eje de la novela y de eso hicieron la película. 

–En cuanto a la adaptación cinematográfica. ¿Usted cuál considera que sea el punto clave?

–Yo hice una adaptación que se filmó del Astillero de Onetti. Y aprendí mucho, ahí me di cuenta que muchas veces lo que hay que adaptar es un fragmento de la historia. Me gustan mucha las adaptaciones que digamos recrean la obra, que dan cuenta del conjunto, que no la ilustran en un sentido mecánico. Que la reinterpretan de alguna forma. 

– ¿Al escribir su Diario lo hace como escritor, pensando que lo van a leer o realmente lo escribe para usted?

–No, lo escribo para mí. Últimamente he empezado a pensar en eso, en que si lo voy a publicar o no lo voy a publicar.

–Y esta idea de que lo van a leer, ¿cambia la forma en que usted escribe?

–No, yo no creo, porque tampoco hay secretos. Ojalá tuviera alguno. Los escritores pensamos que nuestra vida tiene secretos, pero no. No es que haya algo ahí como un campo privado. Si no son más bien experiencias que he ido escribiendo de una forma aleatoria. Y bueno, uno se convierte en alguien ahí un poco cómico, porque por qué uno tendría que escribir todo lo que hace en un cuaderno. Sin embargo, el diario ayuda mucho a conocernos. Lo que me he dado cuento al leer mi Diario es que hay muchas repeticiones. El Diario es algo muy ilustrativo con el que se aprende a tomar distancia.

–Es muy interesante lo que dice: que leer un diario es como mirar a otra persona, como algo siniestro.

–Sí, por momentos. Porque al leerlo uno tiene la sensación de querer advertirle algo al otro.

–Un poco cambiando de tema. Con respecto a Gombrowicz, ¿cuál cree que fue si importancia en la literatura argentina? A pesar de estar siempre separado.

–Sí, estaba muy separado, pero tenía contacto con jóvenes. Y la actitud de Gombrowicz nos ayudó a todos, desde el momento en que se encontraba peleado con la literatura de Borges. Él era la antítesis porque él abordaba la escritura como algo que debía hacerse desde nuestra propia estupidez, desde nuestra condición, no pensar en lo que no somos. Y eso fue muy bueno para nosotros. Era una actitud que todavía no se tomaba en América Latina, abordar la carencia y la idea que hacemos las cosas con lo que tenemos y cómo podemos.

–En otro tema, ¿desde su punto de vista cree que se puede hablar de una renovación del cine argentino?

–Sí, a mí me gustan mucho los jóvenes, me gusta muchísimo Lucrecia Martel. Ella como un ejemplo. Yo creo que esta cuestión tiene que ver con los los jóvenes que ahora tienen otros medios, diferentes a los que teníamos antes.

–Bueno, como último pregunta. ¿Qué opina sobre el debate de que el libro electrónico dejará atrás a las publicaciones?

–Yo creo que el libro va a persistir. Para mí la clave no es tanto el soporte en el que leemos, sino la persistencia del lector. Esa relación particular que supone leer un texto literario.

Film

Film (1965)

Duración: 20min
Director: Alan Schneider
Escritor: Samuel Beckett
Actores: Buster Keaton, Nell Harrison and James Karen

En esta breve película muda, estelarizada por un actor de gran peso y trayectoria, se aborda filosóficamente el concepto de la mirada y de la identidad, al estilo de Samuel Beckett, con un poco de teatralidad y usando símbolos para representar cuestionamientos existenciales. El manejo de la cámara es un elemento protagónico en el discurso del film, ya que no sólo funciona como el ojo mecánico que graba las imágenes, o el ojo que se limita a observar sin ser observado, en este caso, la cámara tiene una identidad, es percibida por los personajes e incluso los altera y atemoriza. El protagonista, interpretado por Keaton, evita cualquier contacto visual y se encierra en una habitación en la que se aísla de todo tipo de mirada, la propia en el espejo, la de animal, la figurada o fotográfica; cuando logra estar solo, mira unas fotografías que retratan el transcurso de su vida, para luego destruirlas con energía, esto para simbolizar que lejos de la mirada de los otros podremos mirar a nuestro interior para recrearlo o desmadejarlo.

Luego, en la soledad del personaje, comienza a dormitar y la mirada de la cámara toma corporeidad ya que lo espía y, se le enfrenta, ante la sensación de ser observado, el personaje despierta. En ese momento el personaje mira directamente hacia la cámara, como si mirara el espectador, como si otro se hubiera introducido a la habitación sin ser visto, sorprendido por esa mirada el personaje es revelado y en contraplano nos damos cuenta que el ojo que lo espiaba es el de él mismo. Para finalizar, el personaje se queda en su silla y se cubre los ojos con las manos.

Con esto se simboliza que a pesar de los esfuerzos por huir de la mirada de los otros, de la percepción de los otros, no podemos escondernos de la mirada principal o única, la de nosotros mismos.

Play

Play (2005)
Director: Alicia Scherson
Guión: Alicia Scherson
País: Argentina/Chile
Actores: Viviana Herrera, Andrés Ulloa, Aline Küppenheim.
Duración: 105 min

Los detalles de la cotidianidad llenan la vida del solitario, crear una rutina permite darle un poco de solidez y sentido a los días. El personaje principal de esta película es una mujer con vitalidad que por diversas circunstancias vive una vida aislada, tiene el ímpetu de su juventud y capacidades para socializar, pero a pesar de ello se encuentra en una ciudad lejos de su madre y a cargo de un hombre enfermo.

Paralelamente se desarrolla la historia de un joven, Tristan, que termina con su pareja y cae en depresión, una noche mientras se lamenta, es asaltado y pierde su maletín, el cual va a parar a un bote de basura, ahí es encontrado por la protagonista. Este evento interrumpe su rutina. Cristina, la protagonista, explora todo los efectos personales que halla en el maletín, los explora hasta el punto de, gracias a las credenciales de identificación, iniciar a seguir al muchacho, espiar a la ex novia, Irene, y meterse en su casa a probarse ropa y andar desnuda.

Estos comportamientos parecen los de una mujer desequilibrada, pero lo que muestran es la carencia en su existencia, la necesidad de intimar con otro, el conocer los detalles y los objetos que representan la forma de viva de otro individuo le hacen sentir acogida por el mundo.

Al ver esta película, el espectador que conoce la soledad, sabrá identificarse con algunas manías y actos de aparente locura que involucran las fantasías o la imaginación para afectar los hechos de la realidad, el humano es naturalmente social y al carecer de ello, una persona “sana” deseará desempeñar este rasgo, al no lograrlo surgen comportamientos extraños, fuera de las normas sociales que no implican necesariamente locura o violencia en el mejor de los casos.

Otro aspecto de la película es la forma en que se presentan las acciones, las tomas con poco diálogo, sin juicios, favorecen el tono de languidez, introspección y cotidianidad; se enfocan con planos medios y primeros las miradas de los personajes, las caricias, posturas, costumbres o largas caminatas. Comerse una alcachofa, Irene lavando y abrazando el cuerpo de Tristan durante la última ducha juntos o los lunares en la piel del paciente de Cristina son escenas que entrañan belleza y sensibilidad, algunas escenas parecen ocurrir en tiempo real. Y con algunos inserts como el de una barra de mantequilla derritiéndose al sol, el espectador ve los sueños de los personajes, este detalle es engañoso y lúdico porque miremas directamente dentro del sueño, en un plano metaficional.

Cristina solo quiere estar cerca de alguien más, intimar, dar lo que tiene. Mirándose desnuda, en el espejo de Irene, usando su maquillaje, poniéndose su vestido nuevo, trata de descubrir quién es, sólo mira y espía, se queda callada frente a su imagen.

Mariana Carbajal

"Percy Jackson y el ladrón del rayo o de los cuentos antiguos" de Celestino Lugo

Fritz The Cat por Mariana Carbajal